Супрематизм был влиятельным течением в русском искусстве, существовавшим с 1913 до конца 1920-х годов. По словам его основателя Казимира Малевича , который считается первым русским художником, создавшим нерепрезентативные произведения искусства, супрематизм представлял собой «господство чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве».

Этим жанром Малевич хотел «освободить картину от груза предмета». В отсутствие предмета зритель мог сосредоточиться на формальных аспектах монохроматического произведения искусства, таких как форма, пространство и цвет.

Black Suprematic Square (Черный квадрат) (1915) Казимира Малевича, находится в Третьяковской галерее в Москве, Россия;  Казимир Малевич, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Картина Малевича «Черный квадрат » (ок. 1915 г.) была выполнена в четырех вариантах и ​​экспонировалась на последней групповой выставке футуристической живописи в Санкт-Петербурге с 17 декабря 1915 г. по 17 января 1916 г. Он повесил свой Black Square высоко в углу комнаты и назвал его «иконой моего времени», ссылаясь на православную традицию развешивания икон. Он утверждал, что Черный квадрат был настоящим реалистичным изображением , потому что это был настоящий черный квадрат, тогда как большинство произведений искусства были иллюзиями других вещей.

Но «Черный квадрат» Малевича, как оказалось, сыграл свою злую шутку. Проанализировав картину под рентгеном, ученые обнаружили, что под черной краской был слой текста, который гласит: «Негры дерутся в пещере».

Это либо дань уважения работе французского художника 1897 года Alphonse Allais, который также представлял собой черный квадрат, озаглавленный: « Негры, сражающиеся в подвале ночью », или Combat de Nègres dans un тоннеля Поля Бильо или Негры дерутся в туннеле (1882), предположительно первый из черных квадратов, показанных на выставке Incoherent Arts 1882 года в Париже.

International Klein Blue

Ив Кляйн был художником, которого всегда привлекала свобода. Родившийся в 1928 году в зажиточной французской семье, его художественная практика стала для него способом исследовать то, что лежит за пределами материального мира. Сначала он был поглощен созданием монохромного искусства из отдельных блоков различных оттенков красного, более тускло-красного, желтого, ярко-желтого и так далее.

Но как только Ив Кляйн исследовал синий цвет, он полностью посвятил себя созданию картин, которые не только кажутся синими, но и посвящены синему цвету.

IKB 191 (1962) Ив Кляйн; Ив Кляйн, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Кляйн изобрел свой собственный оттенок синего. Свою серию одинаковых картин он посвятил синему цвету. Он попытался создать целый мир на основе своего нового цвета. Он хотел, чтобы он имитировал синеву моря, неба и бесконечности. Свою новую краску он назвал «International Klein Blue».

Его монохромные картины требуют тщательной обработки холста. Это была очень тонкая хлопчатобумажная ткань, покрытая молоком, после чего равномерно наносилась краска. Полученные текстуры на полотнах однородны, но при этом уникально сложны.

Картины настолько абстрактны, что кажется, что они вернулись к природе. Ив Кляйн надеялся, что зритель отбросит необходимость смысла и просто воспримет картину, как яркое голубое небо, поэтому Кляйн называл свои картины «открытыми окнами на свободу».

Джексон Поллок и цели эпохи

В то время как такие движения, как Group Zero и DeStijl, развивались спустя много времени после тоталитарной коммунистической России 1930-х годов и подъема фашизма на Западе, к концу Второй мировой войны в 1945 Абстракция будет доставлена ​​в Нью-Йорк.

Художники стремились интерпретировать меняющийся мир вокруг них через космические видения и духовность. Акцент был сделан на индивидуалистическом самовыражении, которое исследовало, какой может быть свобода в этих новых послевоенных контекстах. Абстрактный экспрессионизм , возникший в 1940-х и 1950-х годах, имел органическую и психологическую предпосылку, как и стиль экспрессионизма до него.

Джексон Поллок — один из самых известных художников абстрактного экспрессионизма. Его техника, которую он называл «живописью действия», заключалась в том, что он разбрызгивал, бросал и заливал краской холст, который часто клали на пол и наступали на него.

Номер 1 (Лавандовый туман) (1950) Джексона Поллока, находится в Национальной художественной галерее в Вашингтоне, округ Колумбия, США; Джексон Поллок, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Его картина номер 32 (1950) состоит из плавных мазков жидкой краской только черного цвета. Картина была написана в его студии в штате Нью-Йорк на раскатанном холсте на деревянном полу. Картина читалась как картина и ничего больше, потому что художник заставил зрителя увидеть краску такой, какая она есть, придавая больше значения материалам и тому, как с ними обращались. Американский критик и защитник Джексона Поллока Клемент Гринберг предположил, что модернизм заключается в использовании дисциплины для критики самой себя, чтобы использовать ее типичные качества.

Хотя картина была призвана выразить свободу, она также раскрывает ощущение структуры. Более светлые линии уравновешиваются более крупными пятнами и способствуют визуальной гармонии поверхности картины.

Поллок использовал различные текстуры для создания композиции, контрастируя блестящие области краски с высохшими, комковатыми и окрашенными частями. Его, казалось бы, случайные алкогольные выходы часто ставили в тупик публику, ищущую смысла. Он объяснил, что рисует «цели эпохи» и что ему не нужно подражать природе, потому что «я есть природа».

Пост-живописная абстракция

К концу 1950-х искусство вообще вышло из сферы предметности. Перформанс, поп-музыка и Концептуальное искусство было в моде, а динамизм жестов абстрактного экспрессионизма Поллока, Виллема де Кунинга и Роберта Мазервелла был давно забыт.

И снова живописи пришлось придумывать новый трюк, чтобы не отставать. Решение снова было связано с ограниченными цветовыми палитрами, но на этот раз с полным отказом от жестов.

Молодые художники-концептуалисты, такие как Джозеф Кошут, критиковали модернизм за его потакание своим слабостям, побуждая его исследовать концептуализм. Как и классические художники, монохромные художники продолжали узнавать больше о живописи, сокращая свою палитру. Это привело к дальнейшей абстракции, которая могла подчеркнуть предметность картины, чтобы оправдать ее форму в концептуальном плане.

Моррис Луи был одним из выбранных Гринбергом пост-живописных художников. Его картина 7 Бронза (1958 г.) является примером того, как художник удерживает жест за пределами значения материала. Художник просто наносил разные цвета на верхнюю часть холста, а все остальное делала гравитация. В результате образовался нисходящий поток жидкости мутного цвета охры . Здесь нет мазков, и художник просто позволил картине стать самой собой.

Пост-живописная абстракция была способом создания намеренно обезличенных произведений искусства в ответ на абстрактный экспрессионизм. Чтобы ограничить выражение, эти художники экспериментировали с ограничением цвета.

Монохроматические, иногда дуохроматические картины часто характеризовались линейной, геометрической, произвольной техникой. Выставка пост-живописной абстракции в МоМА Клемента Гринберга в 1964 году повлияла на то, что впоследствии стало называться живописью Hard-Edge и минимализмом.

Минимализм и Фрэнк Стелла

Продолжая заглядывать в себя, монохромное искусство сохраняло сырость самораскрытия и тиражирования. Фрэнк Стелла, известный своими монохромными картинами, просто сказал, что картина — это плоская поверхность с краской на ней, и что «то, что вы видите, это то, что вы видите».

Его картины подчеркивают скульптурную форму холста и продолжают давнюю традицию художников, использующих живопись, чтобы больше узнать о живописи.

Фрэнк Стелла — один из первых художников, которых можно назвать минималистом. Минимализм был на пике популярности в 1960-х и 70-х годах. Это был синтез ориентированных на объекты наклонностей поп-арта и бескомпромиссных наклонностей постживописных абстракционистов. Серия картин Стеллы, известная как «Черные картины», была сделана из дешевых коммерческих красок и кистей.

Пытаясь исследовать его сердцевину, Стелла рисовала полосы на холсте и заканчивала.

Как и в своей картине Die Fahne Hoch (1959), Стелла использовал натянутый холст и его подрамники в качестве отправной точки при нанесении своих фирменных полосок черной краски. Все реплики в картине, вплоть до ширины линий, были взяты из структуры самого холста. Таким образом, Стелла усилила предметность картины. И снова простота была иллюзорной. Титул Стеллы, Die Fahne Hoch, переводится как «Поднять флаг», немецкое название нацистского гимна.

В то время как концептуалисты и поп-художники пытались отделить искусство от объекта, абстрактные экспрессионисты и художники цветового поля продолжали исследовать живопись через монохроматизм. Ротко пошел дальше Поллока и Стеллы, одновременно дирижируя и скрывая художественные жесты. Его картины подчеркивали ощущение поверхности холста через легкое прикосновение художника. Картины Ротко сохраняют объектность, предлагая ощущение возвышенного.

«Часовня Ротко» в Хьюстоне, штат Техас, изначально была построена как католическая часовня, но вскоре стала внеконфессиональной часовней и могла даже функционировать как атеистическая или агностическая часовня.

В часовне находятся три большие однотонные полевые картины фиолетового цвета. Отсутствие в них религиозных образов обнажает кризис языка традиционной религиозной живописи. Картины заставляют задуматься о Малевиче и задаться вопросом, убрано ли что-то или затемнено.

Интерьер часовни Ротко, расположенной в Хьюстоне, штат Техас, США; Алан Ислас, CC BY-SA 4.0, через Wikimedia Commons

Но чернота снова является иллюзией. Холсты на самом деле состоят из множества слоев цвета. Свет, льющийся из окна в крыше часовни, заставляет цвета колебаться между фиолетовым, коричневым и черным. То, что свет заставляет картины выглядеть по-разному в зависимости от времени суток, не имеет ничего общего с картинами, которые сами по себе остаются неизменными. Эти картины намекают на вездесущность Бога, несмотря на то, что наше видение Его меняется в зависимости от нашей точки зрения.

На восьмиугольную часовню, похоже, повлияло еврейское воспитание Ротко. Евреям-хасидам не разрешается использовать имя Бога. Ортодоксальные евреи, которые пишут имя Бога, царапают или скрывают его, написав «Б-г». Бесформенность и бесцветность этих картин делают две вещи: монохроматические картины Ротко противостояли духовным идеям и в то же время признавали их непознаваемость.

Для Ротко живопись была духовной практикой, как это было для Поллока и многих других монохромных художников. Его сдержанное использование цвета было порталом в духовный мир.

Нахождение в присутствии этих Ротко позволяет нам войти в состояние медитации. В то время как земля движется вокруг солнца, свет проникает в капеллу с потолка, приливы и отливы раскрывают скрытые грани монументальных росписей.

Будущее монохроматического искусства

Монохроматическое искусство можно рассматривать как основу всего искусства. Вместо того, чтобы поддаться течению времени, оно постоянно воскрешает себя и отвечает на новые кризисы в живописи самим собою. Монохроматическое искусство постоянно предлагает нам возможность задуматься о том, для чего оно и на что оно способно. Он зарекомендовал себя как лучший ответ живописи на достижения в новых медиа.

Отбрасывая дым и зеркала цветного реализма, монохроматическое искусство вместо этого намекает на то, что на самом деле означает арт-объект и вмешательство художника в него.

Конечно, поскольку фотография заменила многие традиционные средства массовой информации и монополизировала монохроматические изображения, некоторые художники продолжают использовать живопись в качестве ответа. Призрачные картины Джерарда Рихтера используют гиперреалистичный эффект размытия, который ставит их где-то между картинами и фотографиями. В более абстрактной картине «Серое зеркало » (1982) Рихтер просто закрасил лист стекла в серый цвет, что превратило стекло в зеркало, по сути использующее образ зрителя.

Супрематическая композиция: Белое на белом (1918) Казимира Малевича, находится в Музее современного искусства в Нью-Йорке, США; Казимир Малевич, общественное достояние, через Wikimedia Commons

Даже в быстро меняющемся мире цифровых и социальных сетей монохроматическое искусство не отстает, заново изобретая свои вековые традиции. Постминималистская приоритизация художественного процесса и того, что мы теперь можем назвать пользовательским опытом, способствовала смещению акцента с объекта на вовлечение. Яёи Кусама Infinity Net Series (с 1959 г. по настоящее время) сначала кажется простым постминималистским множеством точек, но с тех пор это стало вирусной сенсацией.

Тысячи людей сделали это желанное селфи в выдуманной художником монохромной среде. Загадочный творческий процесс Кусамы создает все, что угодно, от головокружительных монохромных точек или завихрений до монохромных трехмерных объектов, покрытых мягкими выступами. Эти работы покорили Интернет и, несомненно, вдохновят следующее поколение художников бросить вызов ограничениям.

Взгляните на нашу монохромную художественную веб-историю здесь!

Часто задаваемые вопросы

Создавал ли Пабло Пикассо монохромное искусство?

Да. Синий период часто называют частью набега Пикассо на монохроматизм. Хотя это правда, что многие картины были выполнены в вариациях синего, они часто включали другие цвета, чтобы сбалансировать синеву. Примеры монохроматического искусства можно увидеть в период кубизма Пикассо. Один из самых известных примеров — Guernica (1935), который имеет почти идентичную технику с версией Las Meninas (1957) Пикассо, которая была одной из 44 картин, которые он написал как дань уважения Диего Веласкесу Las Meninas , некоторые из которых в цвете, многие из которых черно-белые.

Является ли монохроматическое искусство таким же, как минимализм?

Нет. Можно создать минималистское искусство, которое не будет монохромным, и можно сделать монохромное искусство, которое не будет минималистичным. Но, как и монохроматическое искусство, минимализм требует, чтобы его ценили за его формальные качества, а не за предмет. Можно утверждать, что минимализм был скульптурным ответом на постживописную абстракцию. Ключевые исполнители, такие как Дональд Джадд , Тони Смит, Сол Левитт, Роберт Моррис и Карл Андре взяли на себя задачу подчеркнуть предметность искусства не через живопись, а через сами объекты.

Что такое монохром?

Монохромный в основном означает, что что-то состоит из одного цвета. Монохроматическое определение в искусстве подразумевает, что произведение искусства использует только один цвет, часто включая белый или черный, чтобы управлять тоном изображения.

Что означает Duo-Tone в искусстве?

Двухцветные произведения искусства состоят из двух цветов вместо одного. Энди Уорхол был известен черно-красным дуэтом.

Монохромное искусство: зачем его создают художники?

Монохромное искусство кажется многим самым простым, хотя всемогущество цвета в его самой скромной, самой чистой форме превосходит зрение зрителя. . Жанр не оставляет места для фигурации, а его современные представления ставят под сомнение специфику искусства. Художники, создающие монохромное искусство, выигрывают от полной свободы в своем подходе и технике.

Сегодня Artsper приглашает вас окунуться в океан красок, открыть для себя монохромное искусство…

Абсолютная абстракция, отправная точка для монохромного искусства отмечен появлением абстракции, визуального языка, свободного от какого-либо определенного представления. Его международное измерение поощрялось работой художников-новаторов с уникальным видением.

Термин «монохромный» происходит от греческого моно , что означает «только» и цветность , что означает «цвет». Если изначально монохромное искусство включало работы с разными оттенками, то сегодня оно ограничено работами одного цвета. Этим серьезным изменением мы, безусловно, обязаны Иву Кляйну, для которого монохромность была призванием. Его Klein Blue, или IKB, быстро стал культовым оттенком в современном искусстве. Это способствовало популяризации практики, которая теперь стала настоящим жанром, наряду с портретом, пейзажем или натюрмортом.

На самом деле современное монохромное искусство предвосхищено другими исследованиями, возможно, менее очевидными с точки зрения непосвященного зрителя. Группа импрессионистов сосредоточила все свое внимание на свете и его воздействии на цвет. Известные картины, такие как Effet de neige à Givenny (1893), ставят под сомнение иногда очень тонкую грань между фигурацией и абстракцией, никогда не пересекая ее. Действительно, масло на холсте Клода Моне одето в уникальный оттенок, голубовато-белый, напоминающий снежный день в Нормандии… Работа увеличена почти осязаемыми мазками, создающими уникальные цветовые пятна, которые идеально представляют импрессионизм!

Корни монохромного искусства

Как говорить о монохромном искусстве, не говоря о супрематизме и его создателе Казимире Малевиче? Живописец, рисовальщик, скульптор и теоретик, Малевич кажется пионером абстрактного и даже монохромного искусства. В 1915 году художник представил скромное на вид полотно под названием « Черный квадрат ». Это произведение, настоящая эмблема новой эпохи, прекрасно воплощает в себе русский супрематизм начала ХХ века. Супрематическая теория восходит к недавнему кубофутуристическому периоду творчества Малевича. Основные цвета, геометрические формы и динамика были тогда составляющими блестящего рецепта. В искусстве Малевича принимается и даже прославляется двухмерность холста как медиума.

Именно с Белое на белом (1918) Малевич окончательно входит в мир нерепрезентации, где ничто уже не пугает, а поражает. Затем он начал исследовать чистый цвет в сочетании с чистой формой. Символично, что художник открывает двери этого мира бесконечных возможностей многим современникам, которые тоже найдут что-то волшебное в нулевой степени живописи. Действительно, монохромное искусство заставляет забыть о материале, символах и времени. Речь идет об ощущении художника, которое иногда может быть тревожным, но и удивительным.

Теория жанра

Не существует четкой и универсальной причины, которая побуждала бы художников создавать монохромное искусство. Каждая эпоха, каждая страна таят в себе свои загадки и особенности… Однако монохромное искусство все же удивляет. Это пробуждает любопытство зрителя в ответ на эзотерический язык, иногда непонятный им, хотя и оставляющий так много места для воображения. Вот в чем особенность жанра… Вы когда-нибудь были на выставке и натыкались на упрощенно выглядящую монохромную работу, задаваясь вопросом, что же в ней такого особенного? Многих полная абстракция на самом деле очень беспокоит, потому что она относится к небытию. Иногда это требует самоанализа и более глубоких вопросов. Что я вижу? Что я не вижу? Иногда ведет к: Кто я?

Размеры монохромного искусства могут быть пугающими. Со страхом приходит неприятие, но юмор обладает исцеляющей силой… Это доказано историей искусства! Вернемся в прошлое… В 1882 году группа парижских художников создала первые монохромы, чтобы подразнить импрессионистов. По их мнению, они были слишком академичны, слишком серьезны и слишком артистичны! Incohérents стремились развлечь французов своими пародиями и каламбурами. Во главе их стоял Жюль Леви, известный писатель-сатирик. Инкогераны использовали все, что было в их распоряжении, чтобы издеваться над буржуазией и, сами того не подозревая, заложили основы двух главных течений 20-го века — абстракции и сюрреализма… В 1882 году Поль Бильо представил свой первый черный монохром. Идея соблазнила Альфонса Алле, создавшего разрушительную серию из семи монохромных изображений с 1882 по 189 гг.0.

Множество интерпретаций